Informație

Venus cu sertare



Venus cu sertare - Istorie

Cucerirea iraționalului


Sertarele secrete ale inconștientului

Sertarele care se deschid din figurile umane și din alte figuri ale lui Dali au devenit la fel de familiare ca și ceasurile sale moi. The Venus de Milo cu sertare sau Cabinetul antropomorf au imprimat imagini dahniene de neșters în amintirile vizuale de milioane. Înainte de a-l picta pe acesta din urmă, Dali a făcut o serie de desene pregătitoare detaliate în creion și cerneală. Pictura a fost concepută ca un omagiu adus teoriilor psihanalitice ale lui Freud, pe care Dali (în mod surprinzător) le venera. Dali își privea propriul subiect ca pe un mijloc alegoric de urmărire a nenumăratelor parfumuri narcisiste care ieșeau din fiecare dintre sertarele noastre (așa cum a spus-o el). Și a declarat că singura diferență dintre Grecia nemuritoare și ziua de azi era Sigmund Freud, care descoperise că corpul uman, pur neo-platonic în vremea grecilor, era acum plin de sertare secrete pe care numai psihanaliza le putea deschide. Dali era familiarizat cu figurile de mobilier realizate de manieristul italian din secolul al XVII-lea Giovanni Battista Bracelli și, fără îndoială, și-au influențat propriile figuri cu sertare. Pentru Bracelli, totuși, figurile de mobilier erau un joc jucat cu geometrie și spațiu, pur și simplu jeu d'esprit, în timp ce pentru Dali, trei secole mai târziu, o abordare similară exprima dorința centrală și obsesivă de a înțelege identitatea umană.


Cabinetul antropomorf
1936


Venus de Milo cu sertare
1936


Femeie cu sertare
1936


Fata de furnică. Desen pentru Catalogul Jacheta expoziției lui Dali
la galeria Alex Reid și Lefevre din Londra
1936

Obiectele de vis suprarealiste ale lui Dali au purtat semnul inconfundabil al personalității sale unice și au luat cu asalt scena artistică pariziană. Elemente precum Jachetă de cină afrodisiacă au fost expuse mai întâi la Charles Ratton's în mai 1936, apoi la Expoziția internațională suprarealistă din Londra în luna iulie și la Julien Levy's din New York în decembrie. În același timp, Dali a conceput coperta pentru cel de-al optulea număr al Minotaure- un minotaur dalinian tipic feminin, completat cu sertar și homar - și a contribuit la revistă scrieri cheie despre artă și estetică. În „Surrealisme spectral de Peternel feminin preraphaelite” (un titlu care a încorporat „quoteternal feminin” și artă engleză din secolul al XIX-lea al lui Goethe în busola lui Dali), el a insistat că bunăstarea estetică a minții nu poate proveni decât din sănătatea corpului, din atingere, mâncare și mestecând. Deși femeile din arta prerafaelită engleză au fost în același timp cele mai dorite și cele mai terifiante imaginabile, erau totuși creaturi pe care cineva le-ar putea mânca - cu cea mai mare frică. Pentru Dali, ei și-au amintit și care dintre primăvara legendară necrofilică a lui Botticelli, pe care a considerat-o acceptabilă prin faptul că reprezenta și calma carnea sănătoasă a mitului, dar discutabilă în eșecul său de a stabili splendoarea și pompa materială a legendei occidentale. Dali a afirmat în continuare că morfologia prerafaelită a fost o invitație permanentă de a se arunca în măruntaiele sângeroase ale adâncimilor estetice ale sufletului și a descris Cezanne drept „un fel de mason platonic” care „a refuzat să recunoască curbura geodezică”.


Telefon cu homar
1936


Coperta revistei & quotMinotaure & quot
1936


Studiu pentru coperta "Minotaure", nr. 8
1936


Marele paranoic
1936

În acest moment, Dali și-a abordat teoria liniilor geodezice, declarând că mumiile egiptene aveau lecții valoroase de predat și continuau să scrie despre arta îmbrăcămintei, care marchează punctul de tranziție de acces de la suprafața exterioară la tărâmul interior al mușchi și în cele din urmă os. Haine de noapte și de zi ale trupului, o ilustrare destinată Harper's Bazaar sau Vogă, evidențiază întâlnirea diferitelor tensiuni ale lui Dali: nu putem spune cu certitudine unde începe și se termină corpul, îmbrăcămintea sau, într-adevăr, garderoba sau fereastra. Smock-ul are un fermoar care permite deschiderea a două uși cu aripi. Ulterior, Dali a remarcat că constanta tragică din viața umană era moda, motiv pentru care i-a plăcut atât de mult să lucreze cu Chanel și Schiaparelli. El credea că conceptul de îmbrăcare era o consecință a celui mai puternic traumatism dintre toate, trauma nașterii. Mai mult, el a simțit că a privi modele defilând în spectacol și care mergeau pe jos, era să privești îngerii morții care anunță apropierea războiului.

„Surrealisme spectral de Peternel feminin preraphaelite” era un text de bază la acea vreme. Dali a continuat: „Natural este, atunci, că atunci când Salvador Dali vorbește despre descoperirile sale paranoice-critice în domeniul reprezentării vizuale, privitorii platonici ai eternului măr Cezanne nu iau în serios ceea ce ei consideră un mod frenetic de a dori să atingă totul (chiar și concepția imaculată a mărului lor) și, și mai rău, chiar să mănânce și să mestece totul, într-un fel sau altul. Dar Salvador Dali nu se va opri din cruciadă pentru această viziune hipermaterialistă, care este crucială pentru orice proces epistemologic din estetică, care include carnea și osul biologiei - o viziune asupra vastei persoane exterioare, o viziune asupra deziluziei hegemonice și a exaltării sentimentale. "


Haine de noapte și de zi
1936


10 desene ale unor artiști feminini pe care istoria le-a subestimat

Nu este un secret faptul că artistele de sex feminin au fost trecute cu vederea și subestimate de-a lungul istoriei artei. De la pictură la sculptură până la fotografie, tomurile de artă ale tuturor mijloacelor de informare tind să fie pline de bărbați europeni albi morți (DWEM). Și lumea desenului nu face excepție. De ani de zile femeile din domeniu au fost alungate de bărbați, indiferent dacă acei bărbați sunt contemporani, parteneri romantici sau mentori.

Deși nu putem schimba istoria, putem privi înapoi și putem recunoaște talentul imens al unora dintre cei mai buni artiști pentru a lua stiloul pe hârtie. O expoziție intitulată „Venus Drawn Out” onorează astfel de vizionari și impactul lor extraordinar asupra cursului artei contemporane. Cele aproximativ 35 de piese vizionate constau din lucrări ale unor artiști emblematici din secolul al XX-lea, printre care Louise Bourgeois, Helen Frankenthaler, Eva Hesse, Lee Krasner, Yayoi Kusama, Georgia O'Keeffe și Betye Saar, printre multe altele. Expoziția, organizată de curatorul independent Susan Harris, va avea loc în cadrul Armory Show din acest an din New York.

„Este 2014 și avem încă această conversație”, i-a explicat Harris lui GalleristNY. "Bătăliile purtate în anii '70 au deschis cu siguranță calea multor femei-artiste de astăzi. Dar oamenii încă întreabă:„ De ce nu sunt prețurile la fel? De ce nu au același număr de spectacole? Și de ce în colecții permanente există atât de mulți artiști de sex masculin? 'M-am gândit că acesta ar fi un loc perfect pentru a se concentra asupra femeilor. "

Abia așteptăm această expoziție-în-o-expoziție, care subliniază atât progresul pe care l-am făcut, cât și drumul lung pe care trebuie să-l parcurgem atunci când vine vorba de femei în artă. Iată 10 lucrări ale unor femei care aparțin rândurilor istoriei artei.

1. Jennifer Bartlett


Martie Bermuda (casa P15), 1998 Pastel pe hârtie, 22,5 x 22,5 țoli, imagine oferită de Armand Bartos

2. Helen Frankenthaler


Releu II, 1976, Tehnică mixtă pe hârtie 22 1/2 x 29 1/2 inci, imagine Amabilitatea lui Armand Bartos

3. Sherrie Levine


Sherrie Levine, După Miro, 1985, Acuarelă și grafit pe hârtie 14 x 11 inci (35,56 x 27,94 cm) Semnat și datat în verso, imagine Amabilitatea lui Armand Bartos

4. Anni Albers


Zidul XI, 1984 Acuarelă pe serigrafie, prin amabilitatea Fundației Josef și Anni Albers și Galeria Alan Cristea

5. Georgia O'Keeffe


Nr. 36 - Special, 1920, Titluri alternative Nr. 36 Special, Floarea de nicotină, Special nr. 36, Acuarelă pe hârtie țesută foarte groasă, albă, aspră, 15 1⁄2 x 11 1⁄4 inci, neuniformă, foaie, Amabilitatea Galeriei Gerald Peters, NY

6. Yayoi Kusama


Nets & amp Red nr. 8, 1958, acuarelă și pastel pe hârtie cu plasă din nailon, 20,3 x 25,4 centimetri 8 x 10 amabilitate Galeria Michael Rosenfeld, New York, standul # 206

7. Pat Steir


Linie plutitoare, prin amabilitatea lui Thomas Schulte, Berlin

8. Lee Krasner


Fără titlu, 1965, guașă pe hârtie, 25 "x 38", semnată și datată, Linie de credit: prin amabilitatea Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

9. Nancy Spero


F111, 1968, guașă și cerneală pe hârtie, 35 3/4 "x 23 3/4", semnată și datată, Linie de credit: prin amabilitatea Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

10. Lee Krasner (ia două)


Apa nr. 2, 1968, guașă pe hârtie Douglas Howell de 18 "x 22", semnată și datată, Linie de credit: prin amabilitatea Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

„Venus Drawn Out” se va desfășura în perioada 6 martie - 9 martie 2014 în cadrul Armory Show.


Î: Am șase dintre aceste plăci Wedgwood marcate cu cuvântul „Rustic” pe un banner peste semnul în formă de vază și „Copyright depose 3” b.

De la vânzări notabile la comori pierdute de mult descoperite în subsoluri - acoperim toate știrile despre antichități și obiecte de colecție. Căutați-l în fiecare miercuri!

Rămâi conectat! Înscrieți-vă la newsletter-ul nostru săptămânal GRATUIT - Comentarii Kovels

Alăturați-vă zeci de mii de alți colecționari care primesc acest e-mail săptămânal gratuit cu sfaturi, informații, mărci și alte știri de la Kovels


Cât valorează picturile lui Salvador Dali?

Tablourile lui Salvador Dali sunt extrem de valoroase, picturile aducând adesea milioane de dolari la licitație. Chiar și piesele, imprimările și filmele sale mai mici se pot vinde cu zeci până la sute de mii de dolari. Acest lucru se datorează calității catalogului său și datorită staturii sale ca unul dintre marii artiști ai secolului XX. Cea mai plătită vreodată pentru o piesă Salvador Dali a fost de 21.671.110 dolari pentru pictură Portret de Paul Eluard (1929) pe 10 februarie 2011. Aceasta nu este în niciun caz un aspect anormal, Dali a vândut mai multe tablouri pentru mai multe milioane de dolari.


Clasic

Salvador Dali (1941 - 1989)

& gt analiza artei, picturilor și operelor.

Poezia Americii (1943)

obține o imagine de înaltă calitate a Poezia Americii pentru computer sau notebook. & # 8227 Această imagine mare a fost pictată într-un dormitor al Del Monte Lodge din Monterey, California. Aici doctrina daliniană a fost aplicată cu succes pentru a transcrie imaginile obsesive, rod ale anilor de exil Dali și Gala petrecuți în America în timpul celui de-al doilea război mondial. Dinamismul american este reprezentat de cele două figuri principale, jucătorii de fotbal, iar de micul personaj pus pe apendicele din spatele celui din stânga, el echilibrează o minge pe deget și simbolizează vitalitatea fizică a negrilor. În această lucrare, Dali și-a exprimat presimțirea dificultăților care ar apărea între cetățenii albi și negri după război, pictând o hartă moale a Africii atârnând de ceas în spate. În ceea ce îl privește, sticla Coca-Cola este, de asemenea, premonitorie. Mi-a subliniat recent (Robert Descharnes) recent că pictase sticla cu meticulozitate fotografică cu aproape douăzeci de ani înainte ca Andy Warhol și artiștii americani de pop să înceapă să facă același lucru. Au fost surprinși să vadă această pânză a pictorului catalan din 1943, când s-au considerat primii care au manifestat interes pentru acest tip de obiect anonim și banal.

Vorbind despre vitalitatea poporului american, Dali a dat următoarea explicație într-un interviu înregistrat în vara anului 1966: „Ceea ce îi place cel mai mult poporului american: mai întâi, sânge - ați văzut toate marile filme americane, în special cele istorice există întotdeauna scene în care eroul este bătut în cel mai sadic mod din lume și în care cineva este martor la adevărate orgii de sânge! În al doilea rând, americanilor le plac ceasurile moi. De ce? Pentru că se uită mereu la ceasurile lor. , teribil de presat pentru timp, iar ceasurile lor sunt îngrozitor de rigide, dure și mecanice. Prin urmare, ziua în care Dali a pictat pentru prima dată un ceas moale, a fost un mare succes! Pentru că pentru o dată acest obiect îngrozitor, care a marcat minut de în minte secvența ineluctabilă a vieții lor și le-a amintit de treburile lor urgente, dintr-o dată deveniseră la fel de moale ca brânza Camembert atunci când este cel mai bun moment, când începe să curgă. Apoi, cea mai mare pasiune a poporului american este atunci când văd copii mici uciși. De ce? Deoarece, potrivit celor mai mari psihologi din Statele Unite, masacrul inocenților este tema preferată, cea care se găsește în adâncurile cele mai profunde ale minții lor subconștiente, din moment ce sunt supărați în mod constant de copii, astfel încât libidoul lor să se proiecteze în sine umplând suprafețele cosmice ale viselor lor. Dacă americanii adoră orgiile sângeroase și masacrarea inocenților și a ceasurilor moi care rulează ca un adevărat Camembert francez atunci când este corect, este pentru că ceea ce iubesc cel mai mult în lume sunt „punct” sau bucăți de date, acele informații simbolizează discontinuitatea materiei. Din acest motiv, toată arta pop de astăzi este alcătuită din „puncte” de informații ”.

Galarina (1945)

obține o imagine de înaltă calitate a Galarina pentru computer sau notebook. & # 8227 Gala a fost adesea descrisă în operele lui Dali. S-ar putea spune chiar că este singura femeie a cărei față și siluetă apar neîncetat acolo pictorul spune: „Este cea mai rară ființă de văzut, superstarul care nu poate fi comparat în niciun caz cu La Callas sau Greta Garbo, pentru că s-ar putea să vezi ei, deși Gala este o ființă invizibilă, antiexhibiționista prin excelență. La casa lui Salvador Dali, există doi prim-miniștri, unul este soția mea, Gala, iar celălalt este Salvador Dali. Salvador Dali și Gala sunt cele două ființe unice capabil să-mi modereze și înălța matematic nebunia divină. "

Acest portret aparține perioadei clasice a artistului. A fost pictat în America cu puțin înainte de sfârșitul celui de-al doilea război mondial. „Început în 1944", scrie Dali în comentariul catalogului pentru expoziția sa din Galeria Bignou în 1945, „mi-au trebuit șase luni lucrând trei ore pe zi pentru a finaliza acest portret. Am numit acest tablou Galarina pentru că Gala este pentru eu ce a fost La Fornarina pentru Rafael. Și, fără premeditare, iată din nou pâinea. O analiză riguroasă și perspicace scoate la lumină asemănarea brațelor încrucișate ale lui Gala cu părțile laterale ale coșului de pâine, pieptul ei părând a fi extremitatea crusta. Pictasem deja Gala cu două cotlete pe umăr pentru a transcrie expresia dorinței mele de a o devora. Era la vremea cărnii crude a imaginației mele. Astăzi, acum Gala a crescut în ierarhia heraldică a nobilimea mea, ea a devenit coșul meu de pâine ".

Această imagine a fost pictată în Statele Unite în 1944-45, la trei ani după ce Dali se căsătorise cu Gala într-o ceremonie civilă. Se făcea în momentul în care artistul pretindea că a descoperit pentru prima dată în viața sa modalitatea reală de a picta cu alte cuvinte, cu supra- și sub-pictură. Pentru el, acest lucru este infinit mai subtil în tonalitățile sale decât imaginile pictate anterior. El îl leagă deja de perioada Leda Atomica, când făcea toate lucrările de cercetare tehnică legate de materie. Această cercetare l-a absorbit atât de mult încât a încheiat prin a nu acorda atenție conversațiilor și chiar remarcilor pe care i le-a făcut Gala. Reamintind acest episod, el spune următoarea anecdotă: "Tocmai în această perioadă mă trezeam noaptea pentru a așeza o picătură de lac, mai mult sau mai puțin, pe un tablou. A fost o nebunie completă. Apoi Gala - am fost în mijlocul războiului chiar în momentul în care americanii plecau în Pacific - mi-au spus: „Într-adevăr, ce ai face dacă într-o zi ți s-ar întâmpla același lucru ca și cu acești băieți care trebuie să plece la război în avioane în fiecare zi pentru a merge și a lupta? Mi se pare că, pe lângă asta, problemele tale tehnice nu sunt atât de insolubile! Este mult mai puțin dramatic și am răspuns: „Dacă ar trebui să-mi facă așa ceva, parașutism - pentru că la momentul respectiv exista o anumită posibilitate ca străinii să fie înrolați - „ei bine, în acest caz, nu ți-aș lăsa să pleci”. Uitasem complet că era vorba de plecarea mea și eram convins că dacă cineva ar trebui să meargă la război, va fi Gala! "

Brățara pe care o poartă la încheietura mâinii a fost o creație Faberge de inspirație Mogul care i-a plăcut enorm lui Dali. A folosit-o plasată în jurul gleznei soției sale în tablou Păcat original, care poate fi văzut astăzi în Muzeul Boymans-van Beuningen din Rotterdam. Serpentina,. împreună cu toate bijuteriile Gala, au fost furate câțiva ani mai târziu din dormitorul hotelului în care cuplul stătea în California.

O secundă înainte de trezirea dintr-un vis cauzat de zborul unei albine în jurul unei rodii (1944)

obține o imagine de înaltă calitate a O secundă înainte de trezirea dintr-un vis cauzat de zborul unei albine în jurul unei rodii pentru computer sau notebook. & # 8227 Vis cauzat de zborul unei albine a fost pictat în timp ce Dali și Gala locuiau în America. Titlul complet explică subiectul și conținutul picturii, care a fost preluat dintr-un vis pe care Gala l-a raportat lui Dali. El a anunțat că această pictură a fost prima ilustrare a descoperirii lui Freud, că stimulii externi ar putea fi cauza unui vis.

Catalizatorul visului, care este rodia, atârnă în aer cu albina zburând spre ea. În spatele rodiei, visul Gala se desfășoară peste o mare de albastru strălucitor. O Gala goală doarme în timp ce planează peste o piatră o aluzie la sentimentul plutitor comun care poate apărea în vise.

În stânga Gala este o uriașă rodie care varsă semințe pe mare dedesubt. Din rodie apare un pește furios, roz, cu gura larg deschisă. Un tigru mârâitor sare din pește. Din acest tigru iese un altul, cu coada în gura celui precedent. Tigrii se grăbesc spre Gala, cu ghearele gata, dar baioneta, care oglindește înțepătura albinei, o va trezi.

Tristan și Isolda (1944)

obține o imagine de înaltă calitate a Tristan și Isolda pentru computer sau notebook. & # 8227 Figurile lui Tristan și Isolda descrise pe această pânză au fost pictate de Dali în 1944 ca fundal pentru balet Bacalaureat, interpretat după muzica lui Wagner și prezentat pentru prima dată în 1944 pe scena Teatrului Internațional din New York. Povestea acestui balet, pentru care Dali a scris libretul, a început înainte de război. Pe atunci acel titlu era Tristan nebun. Acesta urma să fie interpretat la Paris cu coregrafia lui Leonide Massine, decorul prințului Charvachidze și costumele pe care Coco Chanel dorea să folosească ermine adevărate și pietre prețioase autentice.Războiul a împiedicat producția la Paris, iar mai târziu marchizul Georges de Cuevas a decis să organizeze spectacolul la New York. „La fel ca orice altceva”, scrie Dali în Viața secretă, "Ale mele Tristan nebun, care trebuia să fie cea mai reușită aventură teatrală a mea, nu a putut fi dată, așa că a devenit Venusberg și, în sfârșit Bacalaureat, care este versiunea definitivă. "Baletul este un teren favorabil pentru ca Dali să-și pună în practică metoda critică paranoică cu rezultate fericite. Din păcate, de cele mai multe ori direcțiile sale nu au fost urmate exact în producția de peisaj și punerea în scenă a ideilor sale de multe ori păreau prea dificil de executat în practica reală, erau prea costisitoare și nu puteau fi acceptate în conformitate cu regulile de securitate aplicate în mod normal teatrelor.

Cele două ultime colaborări ale lui Dali în balete datează din 1961, când a participat cu Maurice Bejart la montarea Doamna spaniolă și Cavalerul Roman de Scarlatti și a Balet de Gala pentru care a scris libretul, a proiectat decorul și costumele și a cerut o perdea formată din motociclete care aruncau înapoi, agățând una de cealaltă și o adevărată boeuf-ecorche-de-Rembrandt care trebuia să fie înlocuit la fiecare spectacol pentru a exercita asupra spectatorilor efectul paralizant al prospețimii sale.

Soția mea, goală, privind propriul corp (1945)

obține o imagine de înaltă calitate a Soția mea, goală, privind propriul corp pentru computer sau notebook. & # 8227 Soția mea, goală, privind propriul corp este unul dintre mai multe portrete ale Gala, unde este privită din spate. Dali a spus că și-a dat seama instantaneu că Gala este întruparea dragostei sale din copilărie, femeia pe care a așteptat-o ​​când a văzut-o înapoi, ceea ce el credea

Pe peretele din dreapta Gala este un cap de piatră grecească, care subliniază stilul clasic al picturii. În afară de Gala arhitecturală suprarealistă, această pictură ar putea fi considerată clasică.

Gala privește înainte pentru a-și vedea propriul corp, după cum explică titlul, transformându-se în arhitectură. Capetele părului ei sunt formate dintr-o piatră care amintește de cea văzută pe autoportret, Marele Masturbator (1929). Coloana care ar fi coloana vertebrală a Gala este metalică, creând un comentariu vizual asupra puterii și tenacității soției sale. În interiorul Galei arhitecturale se află figura minusculă a unui bărbat, care apare pierdut în interiorul unei cuști uriașe.

Ispita Sfântului Antonie (1946)

obține o imagine de înaltă calitate a Ispita Sfântului Antonie pentru computer sau notebook. & # 8227 În această imagine, ispita îi apare Sfântului Antonie succesiv sub forma unui cal în prim-plan reprezentând puterea, uneori și simbolul voluptății, și sub forma elefantului care îl urmează, purtând pe spate paharul de aur al pofta în care o femeie nudă stă în echilibru precar pe piedestalul fragil, o figură care subliniază caracterul erotic al compoziției. Ceilalți elefanți poartă clădiri pe spate, primul dintre aceștia fiind un obelisc inspirat de cel al lui Bernini la Roma, al doilea și al treilea sunt împovărați cu edificii venețiene în stilul lui Palladio. În fundal, un alt elefant poartă un turn înalt, care nu este lipsit de nuanțe falice, iar în nori se pot întrezări câteva fragmente de Escorial, simbol al ordinii temporale și spirituale. Tema elefantului apare de mai multe ori în lucrările lui Dali din această perioadă: de exemplu, în Atomica Melancholica din 1945 și Triumful lui Dionis din 1953.

Această imagine a fost pictată în studioul pe care artistul l-a ocupat câteva zile lângă Restaurantul Colony din New York. Este prima și singura dată când a participat la un concurs. A fost un concurs artistic invitațional pentru o pictură pe tema ispitei Sfântului Antonie, organizată în 1946 de Compania Loew Lewin, o firmă producătoare de filme. Poza câștigătoare a fost să figureze într-un film preluat din povestea „Bel Ami” de Maupassant. La concurs au participat unsprezece pictori, printre care Leonora Carrington, Dali, Paul Delvaux, Max Ernst și Dorothea Tanning. Premiul a fost acordat lui Max Ernst de un juriu compus din Alfred Barr, Marcel Duchamp și Sidney Janis. Toate aceste lucrări au fost expuse la o expoziție la Bruxelles și la Roma în 1947.

Dematerializarea în apropierea nasului lui Nero (1947)

obține o imagine de înaltă calitate a Dematerializarea în apropierea nasului lui Nero pentru computer sau notebook. & # 8227 Dematerializarea în apropierea nasului lui Nero, în timp ce un bun exemplu al perioadei „mistice nucleare” a lui Dali, demonstrează și un stil mai clasic. Cu o ironie tipică, Dali a scris că „cele mai grave două lucruri care se pot întâmpla astăzi unui ex-suprarealist sunt, în primul rând, să devină mistic și, în al doilea rând, să știe cum să deseneze. Ambele forme de vigoare mi-au căzut în acelasi timp".

Împotriva unei câmpii din Ampordan, o rodie uriașă a fost îmbinată, ca un atom, în două părți. Semințele se revarsă din rodie, plutind în aer între cele două jumătăți. Un bust de Nero planează deasupra cubului disecat care adăpostește rodia. Bustul în sine s-a împărțit în patru părți (sau, alternativ, cele patru părți se reunesc pentru a forma un întreg). Utilizarea de către Dali a unei teme clasice precum Nero este subliniată de arhitectura clasică care atârnă deasupra capului lui Nero. Cu toate acestea, nu doar conținutul este cel care marchează stilul clasic al acestui tablou, periajul este meticulos, reprezentarea realistă și echilibrul din acesta evocă și stilul clasic, fiind în același timp interpretarea lui Dali a forței atomice.

Portretul lui Picasso (1947)

obține o imagine de înaltă calitate a Portretul lui Picasso pentru computer sau notebook. & # 8227 Dali a pictat portretul compatriotului său genial din California. Este interesant să-l comparăm cu al său Autoportret moale cu slănină la grătar, pictată cu șase ani mai devreme în același loc.

Acest portret ar putea avea dreptul Portret oficial paranoic al lui Pablo Picasso, deoarece Dali a adunat aici toate elementele folclorice care descriu anecdotic originile pictorului andaluz. Renumele său este afirmat de bustul său montat pe un piedestal, simbol al consacrării oficiale, sânii înfățișând aspectul nutritiv al lui Picasso în timp ce el poartă pe cap piatra grea a responsabilității pentru influența operei sale asupra picturii contemporane. Chipul în sine este un amestec de copită de capră și coafura bustului de marmură greco-iberică, Doamna din Elche, care ne aduce în minte originile andaluzine și malagiene ale lui Picasso. Folclorul iberic este terminat cu o garoafă, o floare de iasomie și chitară. Vorbind despre opera acestui titan la scurt timp după moartea sa, Dali a spus: „Cred că magia din opera lui Picasso este romantică, cu alte cuvinte, rădăcina răsturnării sale, în timp ce a mea se poate face doar construind pe tradiție. total diferit de Picasso, întrucât nu era interesat de frumusețe, ci de urât și eu, din ce în ce mai mult, de frumusețe, dar de frumusețe urâtă și frumusețe frumoasă, în cazuri extreme de genii precum Picasso și mine, putem fi de tip angelic. "

Madonna din Port Lligat (1950)

obține o imagine de înaltă calitate a Madonna din Port Lligat pentru computer sau notebook. & # 8227 Această imensă pânză, una dintre cele mai faimoase ale lui Dali, marchează începutul unei noi perioade în opera sa. În același timp, este prima imagine atât de mare, este prima dintre picturile religioase și anunță epoca corpusculară. Întreaga compoziție este aranjată în jurul pâinii euharistice vizibile printr-o gaură din centrul corpului lui Isus, punctul de intersecție al liniilor diagonale indicând mijlocul picturii. Gala este descrisă ca Fecioara și, de asemenea, ca unghiurile de sepie din partea dreaptă a pânzei. Un băiețel din Cadaques numit Juan Figueras a fost folosit ca model pentru pruncul Iisus.

"Gala Madonna întruchipează toate virtuțile geologice din Port Lligat, "a scris pictorul în 1956", de exemplu, asistenta, de pe spatele căreia a fost luat noptiera, a fost de data aceasta sublimată în tabernacolul cărnii vii, deși cerul ceresc poate fi văzut și, la rândul său, un alt tabernacol tăiat din pieptul pruncului Iisus, care conține pâine euharistică în suspensie. "Există două uleiuri de același subiect care reproduse aici este al doilea. Primul, care are dimensiuni mai mici, a fost trimis de Dali către Papa Pius al XII-lea pentru aprobare și se află acum la Universitatea Marquette. Despre pânza mai mare, Dali mi-a comentat (Robert Descharnes): „Această imagine, din cauza dimensiunii sale, a fost destinată să cunoască multe nenorociri. În mijlocul unei furtuni îngrozitoare, a trebuit să venim un antreprenor la Port Lligat pentru a mări fereastra din cameră, camera cu păsările, deoarece pânza de pe targă nu avea să treacă prin fereastră. Atunci Gala a trebuit să angajeze un camion, pentru că era prea mare pentru tren, să-l trimită mai întâi la Paris și apoi la Le Havre, pentru a-l expedia cu barca către America. În New York, era prea mare pentru orice ascensor pe care trebuiau să-l ridice cu o frânghie la ferestrele podelei pe care se afla Carstairs Gallery și unde urma să fie arătat. Dealerul, George Keller, el însuși a spus la acea vreme: „Această pictură este magnifică, dar nu voi putea niciodată să o vând, pentru că nu există o casă suficient de mare pentru ea și costă prea mult să o expediți în jur”. Cu toate acestea, este cel care a deschis porțile spre vânzarea tuturor imaginilor mele mari. "Astăzi Madonna din Port Lligat se află în colecția Lady Beaverbrook din Canada. Nu este prezentat niciodată în expozițiile retrospective, deoarece, pentru a-l scoate, ar fi necesar să doboare ușa sau să scoateți una dintre ferestrele bibliotecii unde este agățată.

Hristos al Sfântului Ioan al Crucii (1951)

obține o imagine de înaltă calitate a Hristos al Sfântului Ioan al Crucii pentru computer sau notebook. & # 8227 De departe cea mai populară dintre toate lucrările religioase ale lui Dali este fără îndoială a lui Hristos al Sfântului Ioan al Crucii, a cărui figură domină Golful Port Lligat. Pictura a fost inspirată de un desen, păstrat în Mănăstirea Întrupării din Avila, Spania, și realizat chiar de Sfântul Ioan al Crucii după ce a văzut această viziune a lui Hristos în timpul extazului. Oamenii de lângă barcă provin dintr-o imagine a lui Le Nain și dintr-un desen al lui Velazquez pentru Redația lui Breda. În partea de jos a studiilor sale pentru Hristos, Dali a scris: „În primul rând, în 1950, am avut un„ vis cosmic ”în care am văzut această imagine în culori și care în visul meu a reprezentat„ nucleul atomului. ' Acest nucleu a luat mai târziu un sens metafizic, pe care l-am considerat „însăși unitatea universului,„ Hristosul! Crucea, am elaborat geometric un triunghi și un cerc, care „sintetic” rezumau toate experimentele mele anterioare și l-am înscris pe Hristosul meu în acest triunghi ”.

Această lucrare a fost considerată banală de un important critic de artă atunci când a fost expusă pentru prima dată la Londra. Cu toate acestea, câțiva ani mai târziu, a fost tăiat de un fanatic în timp ce era atârnat în Muzeul Glasgow, dovadă a efectului său uimitor asupra oamenilor. Dali relatează că, când termina poza la sfârșitul toamnei în 1951, era atât de frig în casa din Port Lligat încât Gala a decis brusc să aibă instalată încălzirea centrală. Își amintește momentele de teroare prin care a trăit apoi, temându-se de pânza sa pe care vopseaua era încă umedă, cu tot praful agitat de muncitori: „Am luat-o de la studio în dormitor, ca să pot continua să vopsea, acoperită cu o foaie albă care nu îndrăznește să atingă suprafața uleiului. Am spus că nu cred că aș putea să-l fac din nou pe Hristos dacă i se va întâmpla vreun accident. A fost o adevărată angoasă ceremonială. În zece zile, a fost instalată încălzirea și am putut termina poza pentru a o duce la Londra, unde a fost prezentată pentru prima dată la galeria Lefevre. " Când a fost la Bienala de Artă din Madrid, împreună cu alte lucrări ale pictorului, generalul Franco a cerut ca două dintre uleiurile maestrului din Figueras să fie aduse în palatul El Pardo - Coș de pâine și Hristos al Sfântului Ioan al Crucii.

Raphaelesque Head Exploding (1951)

obține o imagine de înaltă calitate a Capul rafalesc explodează pentru computer sau notebook. & # 8227 Aceasta este încă o altă lucrare în care Dali combină imagini și referințe la multe fațete diferite ale vieții sale într-un întreg. Fascinația clasică a lui Dali cu structura atomică, revenirea la influențele Renașterii și fondul său religios se reunesc în această lucrare remarcabilă.

Interesul lui Dali pentru formele perfecte l-a determinat să idolatreze coarnele rinocerului care pot fi văzute plutind deasupra sprâncenei stângi a figurii. Aceste coarne reprezintă convingerea lui Dali că baza vieții în sine era într-adevăr o spirală. Chipul Madonei de aici este descris într-o stare de fragmentare nucleară, ilustrând astfel în continuare punctul lui Dali. Coroana capului pare a fi alcătuită dintr-un tavan boltit, cu siguranță o referință la dragostea lui Dali pentru toate lucrurile clasice și poate la ruinele lui Ampurius de lângă casa copilăriei sale.

Asummpta Corpuscularia Lapislazulina (1952)

obține o imagine de înaltă calitate a Asummpta Corpuscularia Lapislazulina pentru computer sau notebook. & # 8227 Lapis-lazuli Assumption Corpuscular repetă mai multe dintre imaginile văzute în Capul rafalez explodează (1951). Se poate vedea conturul Panteonului, al cărui vârf acționează ca un halou pentru capul Gala. La fel ca Madonna, Gala explodează, corpul ei delimitat de coarnele rinocerului care se învârt în jurul picturii.

Deasupra unui altar se află figura lui Hristos răstignit. Modelul pentru Hristos a fost un băiat din Cadaques numit Juan de care Dalis erau foarte apropiați, tratându-l ca pe un fiu adoptiv. Corpul băiatului formează un triunghi, o formă repetată de brațele și capul lui Gala deasupra. Dali a pus o pardoseală de sticlă în atelierul său, astfel încât să poată privi în sus sau în jos modelele sale pentru a recrea această perspectivă.

Dali a văzut această pictură ca pe o interpretare a ideii de putere naturală a filosofului Nietzsche, deși aici o avem pe Gala ca „super-femeie”, urcând la cer prin propria sa forță înnăscută. Într-o explicație ulterioară a lucrării, Dali a scris că Gala se ridica la ceruri cu ajutorul „îngerilor anti-materie”. Pictura poate fi interpretată ca corpul Gala, fie dezintegrant, fie integrant.

Crucifixie (Corpus Hypercubus) (1954)

obține o imagine de înaltă calitate a Răstignire (Corpus Hypercubus) pentru computer sau notebook. & # 8227 La debarcarea de pe vapor America în Le Havre, la 27 martie 1953, la întoarcerea de la New York, Dali a anunțat reporterii adunați în jurul său că urma să picteze un tablou pe care el însuși îl numea senzațional: un Hristos în explozie, nuclear și hipercubic. El a spus că va fi primul tablou pictat cu o tehnică clasică și o formulă academică, dar de fapt compus din elemente cubice. Un reporter care l-a întrebat de ce vrea să-l înfățișeze pe Hristos explodând, el a răspuns: "Nu știu încă. Mai întâi am idei, le explic mai târziu. Această imagine va fi marea operă metafizică a verii mele".

La sfârșitul primăverii din 1953, în Port Lligat, Dali a început această lucrare, dar datează din 1954, anul în care a fost terminată și apoi expusă în luna decembrie la Galeria Carstairs din New York. Pictura poate fi privită ca unul dintre cele mai semnificative dintre uleiurile sale religioase în stil clasic, împreună cu Madona din Port Lligat, Hristos al Sfântului Ioan al Crucii, și Ultima cina, care se află la National Gallery din Washington, D.C.

„Cubism metafizic, transcendent” este modul în care Dali își definește imaginea, despre care spune: „Se bazează în întregime pe Tratat de formă cubică de Juan de Herrera, arhitectul lui Filip al II-lea, constructor al Palatului Escorial este un tratat inspirat din Ars Magna al filosofului și alchimistului catalan, Raymond Lulle. Crucea este formată dintr-un hipercub octaedric. Numărul nouă este identificabil și devine în mod special consubstanțial cu trupul lui Hristos. Figura extrem de nobilă a Gala este uniunea perfectă a dezvoltării octaedrului hipercubic la nivelul uman al cubului. Este înfățișată în fața golfului Port Lligat. Cele mai nobile ființe au fost pictate de Velazquez și Zurbaran. Eu abordez nobilimea doar în timp ce pictez Gala, iar nobilimea poate fi inspirată doar de ființa umană. "

Răstignire este o operă uimitoare care combină cu succes elemente ale misticismului nuclear al lui Dali cu revenirea la moștenirea sa catolică în acest timp. În această lucrare, Dali ne oferă o răstignire în epoca științei moderne, completând tema sa începută în Hristos al Sfântului Ioan al Crucii.

De remarcat în mod deosebit este atletismul uimitor cu care este reprezentat salvatorul răstignit. Nici găurile unghiilor din palme și picioare nu sunt prezente, deoarece Salvador ne arată răscumpărarea sa perfectă. Crucea însăși, un cub octaedric cu opt laturi, reprezintă posibila reflecție teoretică a unei lumi 4-dimensionale separate. Fascinația lui Dali pentru matematică este încorporată odată cu revenirea sa la credința sa catolică în viața ulterioară. Această uniune reprezintă afirmația lui Dali că cele două lumi aparent diametral opuse ale credinței și științei POATE coexista.

Cu o înălțime de șase picioare, această pictură poate fi considerată una dintre cele 18 lucrări de artă, numite astfel de domnul Reynolds Morse. Gala Dali se uită la răstignire ca un martor venerat, înfășurat în haine aurii și albe, stând pe o tablă de șah mare, în timp ce conturul familiar al munților Cataluniei se retrage în depărtare.

Dezintegrarea rinocerotică a lui Illissus of Phidias (1954)

obține o imagine de înaltă calitate a Dezintegrarea rinocerotică a lui Illissus of Phidias pentru computer sau notebook. & # 8227 Pictată în perioada corpusculară a lui Dali, aceasta este una dintre imaginile în care artistul a folosit coarnele rinocerului în suspensie pentru a forma o parte sau întreaga figură a subiectului său, ca în Capul rafalez explodează din 1951, Studiu paranoic-critic al Lacemaker-ului lui Vermeer din 1954-55 sau Tânăra Fecioară Auto-Sodomizată de propria castitate. The Illisos a fost început în Port Lligat în vara anului 1953, în același timp în care Dali lucra la Răstignire (Corpus Hybercubus), acum în Muzeul Metropolitan din New York. În a lui Le Journal d'un genie, Dali a prezentat o prezentare detaliată a progreselor sale zilnice în aceste două lucrări, descriind cum a reușit să-și depășească teama de a întreprinde anumite suprafețe ale pânzei, care părea să provină din frica sa nevrotică de a nu avea testicule și de a-și ține mereu dinții prea strânși.El a cucerit această frică într-o după-amiază atacând două lucruri complet diferite: trunchiul și testiculele lui Illisos. Îngrijirea pe care i-a dedicat-o în fiecare zi acestui tablou trebuie privită ca o muncă obositoare a unui pictor care știe să caute stăpânire făcând o viață moartă în același timp în care controlează atmosfera și redarea unei opere a imaginației sale, astfel la fel de Răstignire (Corpus Hybercubus). Ca un răgaz de tensiunea cerută de munca sa asupra Răstignire, el a făcut Illisos în studioul său, folosind ca model o replică din ipsos a acestei minunate sculpturi de Phidias, găsită inițial pe frontonul de vest al Parthenonului și astăzi în British Museum din Londra.

Figura mitologică este descrisă în suspensie în mijlocul golfului Cadaques, unde se vede în fundal stânca numită Cucurucuc care stă la intrarea în golf. Partea inferioară a apei este tratată la fel ca în alte două picturi, prima datând din 1950 și intitulată Dali la vârsta de șase ani când s-a crezut a fi o fată tânără, ridicând cu extremă precauție pielea apei pentru a observa un câine care doarme în umbra mării, iar al doilea din 1963: Hercule ridică pielea dacă marea și o oprește pe Venus pentru o clipă din dragostea trezită.

Ultima cină (1955)

obține o imagine de înaltă calitate a Ultima cina pentru computer sau notebook. & # 8227 Această lucrare este un alt exemplu excelent al ideii lui Dali despre misticismul nuclear, în care a combinat idei de știință și religie. Ca și în alte câteva capodopere Dali (și anume Consiliul Ecumenic) suntem incapabili să vedem fața lui Dumnezeu aici. Elementele Euharistiei Catolice, pâinea și vinul, sunt prezente pe masă, o referință directă la patrimoniul catalan al lui Dali. Peisajul minunat al patriei lui Dali domină din nou fundalul înconjurător și întreaga scenă pare să se desfășoare în interiorul unei clădiri suprarealiste și eterice.

Poate și mai important, această lucrare traduce dorința lui Dali de a deveni clasic prin faptul că aderă la regulile proporției divine. Teoria Secțiunii de Aur, așa cum a fost transmisă de Euclid, a creat la Dali un stil de pictură complet nou, în care aceste tehnici artistice clasice au fost ridicate la niveluri moderne de măiestrie.

Nature Morte Vivante (Natura moartă vie) (1956)

obține o imagine de înaltă calitate a Nature Morte Vivante (Viață naturală moartă) pentru computer sau notebook. & # 8227 Influențele clasice sunt din nou cele mai răspândite în această Masterwork. Dali a pictat de multe ori opere de natură moartă, cum ar fi blaturi umplute cu fructe, pește sau pâine. Dar această lucrare este deosebit de importantă, deoarece arată unele dintre aceste obiecte în mișcare, sugerând temele lui Dali despre misticismul nuclear.

Cuțitul din centrul picturii împarte lucrarea în mai multe secțiuni perfecte, o altă referire la obsesia lui Dali pentru metodologia clasică. Fructele din porțiunea din dreapta sus a lucrării sunt toate în mișcare nucleară, la fel ca unul dintre bolurile de fructe și apa care se varsă din decantor. O mână ține un corn de rinocer în partea stângă a lucrării, în timp ce un floret de conopidă domină secțiunea din dreapta sus. Toate aceste obiecte sugerează formele spirale naturale cu care Dali devenise atât de obsedat.

Bucățile mici și colorate din centrul inferior al lucrării reprezintă, potrivit lui Dali, bucățile de materie care au rămas de când a pictat această lucrare. Luată în ansamblu, această piesă este o examinare aprofundată a principiilor expuse lui Dali în teoriile sale de divizionism și misticism nuclear. Dali a afirmat că toată materia nu era deloc așa cum părea, dar avea în schimb atribute pe care chiar și el nu le putea ghici decât. Pe măsură ce fizica nucleară a continuat să se maturizeze, Dali a fost oarecum „justificat” în aceste credințe, odată ce adevărata natură a materiei a început să fie dezvăluită.

Descoperirea Americii de Cristofor Columb (1959)

obține o imagine de înaltă calitate a Descoperirea Americii de Cristofor Columb pentru computer sau notebook. & # 8227 Din prima zi în care a pus piciorul pe trotuarul Parisului suprarealist, Dali nu a încetat niciodată să proclame că majoritatea pompieri pictorii și ultraacademicienii, în special Meissonier și spaniolul Mariano Fortuny, au fost de o mie de ori mai interesanți decât reprezentanții vechilor „ismi” ai artei moderne și ale obiectelor de artă africane, polineziene, indiene și chiar chinezești. Prin urmare, era normal ca, într-un anumit moment al vieții sale, să se confrunte cu patriotismul și, ca pompieri a făcut la sfârșitul secolului al XIX-lea, a decis să picteze tablouri glorificând istoria țării sale.

Descoperirea Americii de Cristofor Columb a fost pictat în 1958 și 1959. Acest ulei a datat anterior Santiago el Grande, care îl înfățișează pe Sfântul Iacob de Compostela, hramul Spaniei. Dali spune că în această pânză a pictat pentru prima dată cu un fior existențialist: fiori pentru unitatea patriei. Totul din el izvorăște din cele patru petale ale unei flori de iasomie care explodează într-un nor atomic de geniu creator. La doi ani după terminarea lui Descoperirea Americii, Dali a produs o a treia lucrare istorică, Bătălia de la Tetuan, inspirat de pictura cu același nume a lui Mariano Fortuny care se află în Muzeul de Artă Modernă din Barcelona. Descoperirea Americii de Cristofor Columb a fost un pas major în pictura lui Dali din acea perioadă. Aici se găsește pentru prima dată, reunită și intim amestecată cu stilurile anterioare, tehnica perioadei sale corpusculare. În această pânză, figura de pe steag este Gala, iar călugărul îngenuncheat și ținând crucifixul este Dali. Într-un interviu înregistrat în 1972, în timp ce vorbea despre această imagine, mi-a spus (Robert Descharnes) că dorea să aducă un omagiu gloriei lui Velazquez. Pe de altă parte, ceea ce i s-a părut mai important din punct de vedere tehnic a fost să folosească un proces care utilizează liniile foto-gravatorului care, foarte mărit, ar permite imaginea, luată din Hristos din Glasgow, să reapară astfel încât să pară să se amestece cu glorioasele halebarde ale războinicilor spanioli, inspirate din pictura lui Velazquez din Muzeul Prado, Redația lui Breda.

Poate părea surprinzător să spunem că Dali a decis să picteze imagini glorificante a lui țară și apoi arată-i lui Columb descoperind America. Cu toate acestea, s-a susținut că Columb a fost spaniol. Nu a scris niciodată nimic în italiană, toate scrierile sunt în spaniolă, iar unii istorici cred că familia sa a fost forțată să părăsească Spania și să fugă în Italia. Catalonienii cred cu tărie că era din Catalonia. Prin urmare, pentru Dali, acesta a fost începutul logic al picturilor sale istorice.

Trei influențe majore (altele decât Gala, care a fost ÎNTOTDEAUNA muza șefă a lui Dali) l-au inspirat pe Dali să creeze această Masterwork, care are o înălțime de peste 14 metri. Prima dintre acestea a fost aniversarea a 300 de ani de la moartea lui Velazquez, care era foarte important pentru Dali. Al doilea a fost că la acea vreme a existat o dezbatere academică considerabilă cu privire la adevărata naționalitate a lui Columb. Unii au afirmat că Columb a fost mai degrabă catalan decât italian și Dali a profitat de această ocazie pentru a glorifica în continuare minunata sa Catalonie. În cele din urmă, galeria care i-a comandat lui Dali să picteze această lucrare, Galeria Huntington Hartford, a fost situată pe Columbus Circle din New York City. Combinația acestor 3 lucruri a fost suficientă pentru a-l inspira pe Dali la culmi minunate ale creativității.

Numirea lui Columb pentru a explora Lumea Nouă de către regele Ferdinand și regina Isabella a Spaniei este descrisă în centrul superior al picturii. Chiar în partea dreaptă a acesteia, crucile zburătoare și lăncile, standardele și brațele susținute de figurile de mai jos sunt referințe directe la pictura Velazquez Predarea la Breda (sau Lăncile). În acest fel, Dali îi aduce omagii directe Maestrului spaniol din secolul al XVII-lea, care l-a influențat atât de mult.

Centrul picturii este dominat de un tânăr Columb care conduce una dintre navele sale pe țărmul Lumii Noi. Ține în mâna dreaptă, un etalon pe care se înfățișează fața lui Gala în poza Sfintei Elena, mama lui Constantin. Constantin a fost fondatorul Constantinopolului și al Imperiului Bizanț, care a influențat atât de puternic dezvoltarea civilizației occidentale. În dreapta lui Columb, este o figură îngenuncheată a unui călugăr, care este de fapt Dali, iar în colțul din dreapta jos, figura al cărei cap este acoperit în totalitate de pelerină este reprezentativă pentru partea introspectivă și privată a soției sale Gala.

În colțul din stânga jos, un episcop translucid își ține toiagul ridicat printre o serie de cruci și alte obiecte. Acesta este Sfântul Narcis, Episcopul Geronei, care fusese ucis în propria abație. A existat o legendă spaniolă care spunea că ori de câte ori un invadator străin va înainta în zona mormântului Sfântului Narcis, că se vor revărsa nori imensi de gălăgi pentru a-i alunga pe invadatorii străini.

Această pictură, mai presus de toate, este un omagiu adus moștenirii catolice spaniole a lui Dali. Poza Gala pe steagul deținut de Columb simbolizează modul în care Gala l-a ajutat pe Dali să descopere America. Ea a fost foarte responsabilă de multe dintre capriciile pentru care el a devenit celebru și, ca urmare a îndrumării sale, Dali s-a ridicat la marile culmi cu care suntem familiarizați acum.

Meditative Rose (1958)

obține o imagine de înaltă calitate a Trandafir meditativ pentru computer sau notebook. & # 8227 Trandafirii apar în multe dintre lucrările lui Dali în anii treizeci, a realizat mai multe tablouri cu femei ale căror capete erau formate din trandafiri. Dali folosește trandafirul ca simbol sexual feminin. Omul invizibil (1929-32) include două femei parțial goale, cu trandafiri uriași care apar acolo unde ar trebui să fie pântecele lor. În 1930, Dali a folosit din nou această imagine, dar într-un mod mai definitiv, înfățișând o femeie nudă cu trandafiri sângerați care ies din pântecele ei. Atunci pentru Dali, trandafirul reprezenta menstruația și organele reproductive interne ale femeilor.

Trandafirul împarte o structură similară cu Portretul Galei cu simptomele rinocerotice (1954). Ambele picturi au cerul familiar albastru intens ca fundal pentru o imagine centrală dominantă care planează peste un peisaj spaniol. Picturile au, de asemenea, aceeași culoare roșie vie a trandafirului, care contrastează atât de eficient cu cerul albastru din interior Portretul Galei cu simptomele rinocerotice, roșu este folosit pentru marginea de sub capul ei. În Trandafirul, există o picătură mică de apă pe una dintre petalele florii, la fel de realistă ca o fotografie. Dali a folosit adesea acest efect de trompe l'oeil pentru a evidenția un mic detaliu al unei picturi.

Înălțarea lui Hristos (1958)

obține o imagine de înaltă calitate a Înălțarea Domnului Hristos pentru computer sau notebook. & # 8227 Dali a spus că inspirația sa pentru Înălțarea Domnului Hristos a venit dintr-un „vis cosmic” pe care l-a avut în 1950, cu vreo opt ani înainte ca pictura să fie finalizată. În vis, care avea o culoare vie, a văzut nucleul unui atom, pe care îl vedem în fundalul picturii Dali și-a dat seama mai târziu că acest nucleu era adevărata reprezentare a spiritului unificator al lui Hristos.

Picioarele lui Hristos arată spre privitor, atrăgând ochiul spre interior de-a lungul corpului său spre centrul atomului din spatele lui. Atomul are aceeași structură interioară ca și capul unei floarea-soarelui. La fel ca în majoritatea celorlalte picturi ale lui Dali despre Hristos, fața lui nu este vizibilă. Deasupra lui Hristos este Gala, cu ochii umezi de lacrimi.

Figura lui Hristos, de la picioarele sale în prim plan până la brațele întinse, formează un triunghi. Dali folosise aceeași geometrie pentru a lui Lapis-lazuli Assumption Corpuscular. El a folosit o structură triunghiulară mai întâi în pictura din 1951 Hristos al Sfântului Ioan al Crucii. Inspirația pentru această formă a venit dintr-un desen al misticului spaniol Sf. Ioan al Crucii, unde Hristos este descris ca și cum ar fi văzut de sus.

Portretul fratelui meu mort (1963)

obține o imagine de înaltă calitate a Portretul fratelui meu mort pentru computer sau notebook. & # 8227 Fratele lui Dali, numit și Salvador, a murit la vârsta de doi ani, cu un an înainte de nașterea sa. Seamănă foarte mult cu fratele său mort și a spus că „identificarea forțată cu o persoană moartă însemna că adevărata mea imagine a propriului meu corp era a unui cadavru în descompunere, putrezit, moale, viermos”. Acesta este singurul tablou pe care Dali l-a făcut despre fratele său, deși băiatul este mai în vârstă decât fratele său adevărat înainte de a muri. Dali a simțit că exorcizează spiritul fratelui său cu acest tablou.

Chipul băiatului este creat de o matrice de puncte, o tehnică care a fost folosită pe scară largă în perioada Pop Art din anii șaizeci. Această tehnică pune accentul pe calitatea fantomatică a băiatului, el este nesubstanțial, totuși prezența sa umple peisajul. Părul băiatului face, de asemenea, parte din aripile unei corbi, o pasăre adesea privită ca un vestitor al morții. Sub băiat este o descriere în miniatură a lui Millet Angelusul. Dali a crezut că printr-o radiografie de Angelusul, s-ar dovedi că coșul peste care se roagă cuplul a fost inițial sicriul pentru un copil.

Toreadorul halucinogen (1970)

obține o imagine de înaltă calitate a Toreadorul halucinogen pentru computer sau notebook. & # 8227 Această mare compoziție verticală a fost începută în Port Lligat în 1968 și terminată în 1970, când a fost achiziționată de domnul și doamna A. Reynolds pentru Muzeul Salvador Dali din Cleveland, pentru a fi agățată împreună cu celelalte lucrări ale acestora deja asamblate Acolo.

Imaginea dublă care apare în centrul acestei lucrări este cea a Venus de Milo repetat de mai multe ori din diferite unghiuri în așa fel încât umbrele formează trăsăturile unui toreador al cărui strat de lumini este alcătuit din corpusculii obținuți prin multiplicarea punctelor și a muștelor, amestecate cu imaginea corpusculară a taurului pe moarte. Prima obsesie a lui Dali pentru Venus de Milo a fost în 1936, când a transformat o replică de ipsos în Venus de Milo cu sertare, punându-i sertare în corp și în frunte. Mi-a spus (Robert Descharnes) recent că practic nu atinsese tencuiala originală, pe care marcase doar unde ar trebui să fie sertarele. Marcel Duchamp, creatorul produselor deja pregătite, a fost cel care a întreprins producția modelului.

Aici, în Venus de Milo reprodusă pe coperta unei cutii de creioane a unui cunoscut brand, Dali a văzut instantaneu apariția feței unui toreador. Arhitectura arenei luminată de umbrele soarelui la ora cinci după-amiaza, ora coridei, este un amestec de arene clasice spaniole cu structuri paladiene văzute în Italia și porticuri în vechiul teatru ruinat din Figueras înainte de a fi transformat în Teatro-Museo Dali.

În ansamblu, această pictură poate fi privită ca cea mai cuprinzătoare, singură pictură retrospectivă a carierei lui Dali. Incorporează elemente din cultura catalană a lui Dali, educația sa religioasă și multe alte elemente specifice ale vieții sale. Dali a conceput ideea acestui tablou în timp ce se afla într-un magazin de articole de artă. În corpul lui Venus, pe o cutie de creioane cu acel nume de marcă, a văzut fața toreadorului. Aceasta este o pictură dublă care repetă imaginea Venus de Milo de mai multe ori în așa fel încât umbrele să formeze trăsăturile unui toreador.

Fața toreadorului este impusă Venusului mijlociu. Fața este înclinată, buzele sunt înclinate, iar sânul drept al lui Venus alcătuiește nasul toreadorului. Începând cu butonul din talia celei de-a doua Venus la stânga, transformați acea zonă într-un buton de guler și guler de bărbat. Fusta verde a lui Venus devine cravata toreadorului. Abdomenul ei devine bărbia lui, în timp ce mușchiul și sânul stâng alcătuiesc cel mai mult restul feței sale. Partea dreaptă a feței sale devine ochiul toreadorului, care aruncă o lacrimă pentru taurul pe moarte. Arena din partea de sus alcătuiește pălăria toreadorului. Toreadorul apare din nou în figura conturată în galben cu brațele ridicate în dedicația taurului pentru Gala. Ea apare în colțul din stânga sus înconjurată de galben. Dali a pictat Gala cu o încruntare pentru că nu-i plăceau coridele.

Lacrima din ochi (la ceafă a lui Venus) este vărsată pentru taurul pe moarte. Muștele legendare ale Sfântului Narrciso (despre care se spune că provin din mormântul Sfântului Narrciso ori de câte ori o putere străină a încercat să invadeze Spania) sunt prezentate mai întâi în mod realist și apoi mai simbolic unde se contopesc în detaliile pelerinei toreadorului. În partea de sus a tabloului, muștele sugerează micile bile negre de fir care au fost cusute odată la plasele de păr purtate de toreador în timpul lui Goya și persistă încă în șorțurile negre ale bătrânelor din Spania rurală. . Sferele colorate amintesc de cele de pe turlele catedralei „Sagrada Familia” de Antonio Gaudi. Se referă și la Arta Optică, deoarece sferele creează un cub 3D.

Imaginea taurului pe moarte iese din terenul stâncos al Capului Creus care apare chiar sub pelerina toreadorului. O muscă mare alcătuiește ochiul. Ceea ce la început ar putea părea a fi o baltă de sânge sub taur este într-adevăr un golf translucid. Pe acest golf apare o femeie pe o plută galbenă. Această aparentă incongruență simbolizează invazia „turiștilor moderni” din Capul Creus pe care nici muștele Sf. Narrciso nu au putut să o oprească! Dali a remarcat odată că nu era prea îngrijorat de profanarea iubitului său Cap Creus, deoarece stâncile sale ar „învinge în cele din urmă turiștii francezi și timpul ar distruge așternutul pe care îl lasă peste tot”.

În prim-planul central din partea de jos a tabloului, un câine apare format din pete de culoare expresioniste care ar putea fi reflexe din apă. Acest câine a fost derivat dintr-o fotografie din 1966 a lui Ronald C. James care arată un dalmatic. Câinele a fost îndepărtat, dar petele au rămas. Această fotografie a abordat aceeași problemă care l-a preocupat pe Dali în toate imaginile sale duble: cât de multe informații vizuale sunt necesare pentru a recunoaște o formă? De asemenea, acest câine aduce unul înapoi la pictura din 1923 Cadouri cu câinele său în același loc, arătând amploarea artei și geniului lui Dali. În cele din urmă, adesea abia vizibil chiar și în cele mai bune scanări de culoare ale acestei lucrări, în colțul din stânga jos, Dali își semnează propria retrospectivă cu o mică figură a lui în copilărie. Își poartă costumul de marinar albastru preferat și se joacă cu jucăriile sale preferate, un cerc și un os fosilizat.

Dali din Gala de pictură din spate eternizată de șase cornee virtuale reflectate provizoriu în șase oglinzi reale (1973)

obține o imagine de înaltă calitate a Dali din Gala de pictură din spate eternizată de șase cornee virtuale reflectate provizoriu în șase oglinzi reale pentru computer sau notebook.& # 8227 Cercetarea în a treia dimensiune, complet controlată de legile riguroase ale perspectivei, joacă un rol dominant în opera lui Salvador Dali. Pictorul a fost mereu interesat de metodele de reprezentare a dimensiunilor spațiale, ramura optică și a fotografiei, stereoscopie, holografie, stereo-video. „În domeniul pictural”, a scris el, „singurele mele ambiții erau îndreptate către adevărul optic, chiar înainte de a ajunge la Paris. Am lăudat întotdeauna fotografia color”. Precizia extremă cu care își pictează subiecții, copiați în funcție de nevoile sale la fel de expert din fotografii ca din natură - talentul său permite acest lucru - îl face să definească pictura în acest fel. „Fotografie în trei dimensiuni și în culori a imaginilor superficiale ale iraționalității concrete, realizate în întregime manual.”

Din 1961, când Dali studia stereoscopia, eu (Robert Descharnes) am putut colabora direct cu el în toate lucrările sale de cercetare. În 1971 a întâlnit opera pictorului olandez Gerard Dou și a observat că mai multe tablouri ale acestui elev al lui Rembrandt, realizate în două versiuni, prezentau caracteristici stereoscopice incontestabile. Apoi a decis să revină la experimentele lui Dou: începând cu documente stereoscopice, a pictat două pânze, una pentru ochiul stâng, cealaltă pentru ochiul drept. Acestea păreau să fie în trei dimensiuni, cu ajutorul unui sistem de oglinzi concentrat de Roger de Montebello. Primele imagini au fost dezamăgitoare, dezavantajul major fiind greutatea sticlei, fragilitatea acesteia și imposibilitatea de a scăpa de imaginea dublă reflectată cauzată de grosimea oglinzilor din sticlă. Am reușit să rezolv această problemă, spre cea mai mare satisfacție a lui Dali, folosind folie de plastic întinsă cu o putere de refracție mai mare decât sticla. Datorită acestor noi metode, stereoscopia a încetat să mai fie un secret și a devenit monumentală. Mergând mai departe, mergând dincolo de pictură, în decembrie 1973 i-am sugerat lui Dali să aplice descoperirea noastră la televizor, creând un stereo-video în care experimentarea continuă.

Această placă colorată arată pictura pentru ochiul drept copiată fidel de Dali din fotografia stereoscopică în alb și negru. Toate lucrările pictorului s-au îndreptat spre studiul variațiilor culorilor, valorilor și redarea luminilor și a umbrelor de la pânză la cealaltă pentru a obține un efect tridimensional și pentru a oferi o nouă viziune stereoscopică, binoculară, mulțumesc la suprapunerea optică a celor două picturi ale sale.

Salvador Dali Art

Articole

Art Encyclopedia O istorie mondială a artei în articole.
& # 160 & # 160 & # 160 Modernism
& # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 Salvador Dali
& # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 Arta, viața și lumea suprarealistă.
& # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 Primii ani. Arta, picturi și opere.
& # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 Ani suprarealisti. Arta, picturi și opere.
& # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 Ani clasici. Arta, picturi și opere.


Aruncați o privire la unii dintre marii artiști hispanici care au modelat arta și cultura occidentală.

Diego Vel și Aacutezquez (1599 și # 8211 1660)

& # 8220 The Rokeby Venus & # 8221 de Diego Vel și aacutezquez. c.1644 și # 8211 1648. (Foto: Domeniu public prin WikiArt)

Născut în Sevilla, Diego Vel & aacutezquez a avut o carieră extrem de reușită, care l-a făcut artistul de frunte al ceea ce este cunoscut sub numele de Epoca de Aur spaniolă. O mare parte din producția sa artistică este legată de rolul său de pictor de curte pentru regele Filip al IV-lea, funcție pe care a ocupat-o timp de aproape 40 de ani. Stilul său individualist se deosebea de alți pictori în stil baroc, iar loviturile sale libere vor influența atât pictorii realiști, cât și cei impresionisti. Marii maeștri precum Picasso, Dali și Francis Bacon au adus un omagiu lui Vel & aacutezquez recreând unele dintre cele mai faimoase opere de artă ale sale, precum Las Meninas.

Francisco Goya (1746 și # 8211 1828)

& # 8220Trei din mai 1808 (Execuția apărătorilor din Madrid) & # 8221 de Francisco Goya. 1814. (Foto: Domeniu public prin WikiArt)

Unul dintre cei mai influenți pictori ai secolului al XVIII-lea, Francisco Goya s-a bucurat de un succes enorm în timpul vieții sale. Opera sa este adesea asociată cu mișcarea romantică și este considerat unul dintre ultimii mari vechi maeștri. Una dintre cele mai faimoase picturi ale lui Goya, 3 mai 1808 (Executarea apărătorilor de la Madrid), este o capodoperă încărcată politic care onorează rezistența spaniolă în timpul ocupării țării de către Napoleon. Această lucrare revoluționară a creat un nou precedent pentru modul în care ororile războiului au fost descrise în artă.

Jos & eacute Clemente Orozco (1883 & # 8211 1949)

Miguel Hidalgo și Costilla, liderul războiului de independență mexican de Jos & eacute Clemente Orozco. Detaliu al picturii murale de la Palatul Guvernamental Jalisco din Guadalajara, Mexic. 1949. (Foto: Fotografii de stoc de la posztosE / Shutterstock)

Caricaturist și pictor mexican Jos & eacute Clemente Orozco a ajutat la deschiderea unei ere importante a muralismului mexican care a încurajat unitatea în țară după Revoluția mexicană. Multe dintre picturile sale murale, care adesea vorbesc despre situația țăranilor și muncitorilor, sunt încă vizibile în toată țara. Lucrările sale puternice pot fi adesea macabre și nuanțate de mânie pentru nedreptățile sociale care se petrec în Mexic. Multe dintre cele mai bune picturi murale ale sale se găsesc în Guadalajara. Cele 57 de fresce ale sale la Institutul Cultural Caba & ntildeas din oraș au fost făcute Patrimoniu Mondial UNESCO în 1997.

Frida Kahlo (1907 & # 8211 1954)


Cu lucrarea ei profund personală și simbolică, artistă mexicană Frida Kahlo a devenit unul dintre cei mai renumiți artiști ai secolului XX. În cea mai mare parte a carierei sale, a fost adesea trecută cu vederea ca fiind pur și simplu soția lui Diego Rivera, dar aprecierea picturilor sale a crescut abia din anii 1970 încoace. Fiind mândră de identitatea sa mexicană, ea a încorporat adesea simboluri precolumbiene în picturile sale și este cunoscută pentru rochia ei colorată mexicană. Kahlo, care a suferit probleme de sănătate de-a lungul vieții sale din cauza unui accident de autobuz în tinerețe, și-a văzut cariera înfloritoare întreruptă din cauza morții sale premature la 47 de ani. Moștenirea ei continuă să trăiască și rămâne o icoană a multor mișcări feministe și politice.

Diego Rivera (1886 & # 8211 1957)

& # 8220The History of Mexico & # 8221 de Diego Rivera. 1929-1935. (Foto: Fotografii de stoc de la Florian Augustin / Shutterstock)

Împreună cu Jos & eacute Clemente Orozco și David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera a fost considerat unul dintre cei mai mari trei pictori ai mișcării murale mexicane. Frescele lui Rivera au stabilit arta mexicană la nivel internațional, deoarece a contribuit la forjarea unei identități naționale bazate pe mexicanitate. Această mândrie în identitatea mexicană este vizibilă în arta lui Rivera prin paleta sa de culori îndrăzneață și utilizarea formelor simplificate influențate de arta mayașă și aztecă. În timp ce unele dintre cele mai cunoscute lucrări ale sale se află în Mexico City, Rivera a pictat de asemenea extensiv în Statele Unite. Pictura sa murală Om la răscruce, a fost scos din Rockefeller Center din New York datorită imaginii lui Lenin din lucrare.

Pablo Picasso (1881 & # 8211 1973)

& # 8220 Les Demoiselles d'Avignon & # 8221 de Pablo Picasso. 1907. (Foto: Domeniu public prin Wikipedia)

Este imposibil să creezi o listă de pictori hispanici influenți fără a include Pablo Picasso. Ca artist care a schimbat fața artei moderne, contribuțiile sale la cultura occidentală sunt incontestabile. Indiferent dacă ne uităm la lucrările sale cubiste inovatoare sau studiem dezvoltarea incredibilă a stilului său prin diferite perioade distincte, există atât de multe de spus despre pictorul spaniol. A fost un copil minune care a stăpânit mai întâi tehnicile clasice înainte de a izbucni singur pentru a distruge modul tradițional de a crea artă. Opera sa este impresionantă, deoarece a produs aproximativ 50.000 de lucrări de-a lungul vieții sale între picturi, sculpturi, ceramică, desene și amprente.

Joan Mir & oacute (1893 & # 8211 1983)

Artist catalan Joan Mir & oacute a fost o forță de neoprit în lumea artei, bucurându-se de succes de-a lungul vieții sale. Picturile sale timpurii sunt grupate cu mișcarea suprarealistă și se bazează pe automatism, când mintea inconștientă are voie să preia controlul asupra picturii. Un adevărat artist multi-media, Mir & oacute a făcut adesea pauze de la pictură pentru a se concentra asupra sculpturii, ceramicii, decorului și gravării. Opera sa a fost extrem de influentă pentru mulți artiști moderni, abstracția sa influențând generațiile ulterioare, cum ar fi expresionistul abstract Jackson Pollock. Dornic să ajute tinerii artiști, în 1975 a înființat Fundația Joan Mir & oacute și Centrul de Studii de Artă Contemporană din Barcelona natală.

Jean-Michel Basquiat (1960 & # 8211 1988)

Deși a trăit până la vârsta de 27 de ani, artist american Jean-Michel Basquiat a făcut o amprentă de neșters în lumea artei. De origine haitiană și portoricană, Basquiat și-a făcut un nume pentru prima dată când eticheta de graffiti SAMO a apărut în New York la sfârșitul anilor 1970. Basquiat a fost unul dintre primii graffiti din scena underground care au trecut la piața de artă, picturile sale neoexpresioniste fiind expuse în întreaga lume. Arta sa este plină de comentarii despre nedreptățile sociale și luptele de clasă, adesea în legătură cu comunitatea neagră. În 2017, a stabilit un record pentru un artist american la licitație, când pictura sa din 1982 a unui craniu negru cu râuri roșii și negre s-a vândut cu 110,5 milioane de dolari.

Salvador Dal & iacute (1904 & # 8211 1989)

Cu o carieră care a durat mai mult de șase decenii, Salvador Dal & iacute este unul dintre cei mai influenți artiști din arta modernă. Faimos pentru picturile sale suprarealiste precum Persistența memoriei, Dal & iacute a fost, de asemenea, un prolific sculptor, cineast, fotograf și ilustrator. El a creat chiar și o carte de bucate bazată pe legendarele petreceri pe care el și soția sa Gala le-ar fi aruncat. Cu o personalitate eclectică, excentrică, care se potrivea cu producția sa artistică, el continuă să capteze imaginația publică la 30 de ani de la moarte.

Fernando Botero (1932 & # 8211)

Pictor și sculptor columbian Fernando Botero este cunoscut pentru stilul său unic, semnat. Cunoscut sub numele de boterism, acest stil prezintă picturi și sculpturi de figuri cu proporții curbate, exagerate. Fiind unul dintre cei mai recunoscuți artiști din America Latină, Botero este profund influențat de rădăcinile sale. Folosirea sa de contururi puternice și culori plate, vibrante este un semn al artei populare latino-americane. Mai recent, munca sa s-a concentrat pe teme politice. Seria sa din 2005 Abu Ghraib, care se bazează pe rapoarte despre abuzuri militare americane la închisoarea Abu Ghraib în timpul războiului din Irak, a atras atenția internațională atunci când a fost expusă.


Vis provocat de zborul unei albine în jurul unei rodii o secundă înainte de trezire de Salvador Dali

Într-una dintre cele mai cunoscute lucrări ale lui Dali din epoca post-al doilea război mondial, un nud culcat planează deasupra uneia dintre stâncile plate de la Port Lligat, care la rândul său plutește pe Marea Mediterană. Această stare de imobilitate și animație suspendată poate fi legată de noul interes al artistului pentru fisiunea nucleară și energia atomică, care înlocuise fascinația sa anterioară cu psihanaliza freudiană. Așa cum sugerează titlul acestei picturi, imaginea de vis se afla încă în centrul esteticii sale, după cum demonstrează alarmanta cavalcadă de creaturi feroce și arme periculoase care amenință figura feminină adormită.

Într-o succesiune de imagini în lanț, o rodie se deschide pentru a elibera un lut roșu gigant care, la rândul său, dezgorge doi tigri furioși, ale căror forme de salt au fost derivate dintr-un Ringling Bros și Barnum-Bailey, afiș de circ. Cel mai apropiat de nudul feminin care sfidează gravitația este o pușcă cu baionetă care urmează să-i străpungă brațul, în timp ce în mijlocul terenului, aproape de orizont, un elefant care poartă un obelisc pe spate trece peste marea albastră strălucitoare pe picioarele stilt. Această creatură hibridă, o variantă a monumentului elefant al lui Bernini, a fost pentru Dali un simbol al războiului și distrugerii, iar prezența sa în acest tablou ajută la transmiterea unei stări de teroare și confuzie adecvate unei astfel de viziuni de coșmar. Imaginea desconcertantă a unui pește enorm care aruncă o pereche de tigri săritori pare să fi fost direct inspirată de opera lui Hieronymus Bosch.


Hello Touch

Jimmyjane a fost fondată de Ethan Imboden (acum șef al produselor de risc la broască, am vorbit cu Imboden anterior despre proiectarea jucăriilor sexuale). Compania premiată din Bay Area produce jucării sexuale de ultimă generație, iar renumitul designer Yves Béhar a proiectat primul produs al companiei și # x27s. În 2013, Jimmyjane a lansat Hello Touch. Dispozitivul vibrator are o sursă de energie care se înfășoară în jurul încheieturii mâinii și se conectează la tampoane pulsante din silicon care alunecă pe vârfurile degetelor. Oferă mâinii umane o notă bionică.


Identificarea mașinilor de cusut vintage

Cu câțiva ani în urmă, mi s-a oferit o mașină de cusut antică Singer care a fost transmisă de familia mea de câteva generații. Habar nu aveam când a fost fabricat sau numărul modelului său. Mai lipsesc mai multe părți, nu sunt într-o formă excelentă și practic nu sunt funcționale - dar este totuși o minunată piesă de memorabil de familie și îmi place să o am în casa mea. Televizorul meu cu ecran plat locuiește de obicei deasupra dulapului Singer, așa că îl privesc în fiecare zi. Poate că într-o zi îl voi recondiționa și, atunci când se va întâmpla acest lucru, va fi important să știți puțin mai multe despre mașină.

Datorită sărbătorii recente a 160 de ani de la Singer & # 8217, am putut identifica aparatul meu antic și modelul lui # 8217s, introducând numărul său de serie în baza de date online Singer & # 8217s. Este frumos să știu că mașina mea de cusut a fost fabricată în 1907. Dar am vrut să aflu și numărul modelului - care la început am crezut că ar fi o propunere mult mai dificilă. Din fericire, o căutare rapidă online a generat mai multe resurse care m-au ajutat să-mi restrâng numărul de model Singer & # 8217s.

Cel mai bun și mai ușor de navigat este Sandman Collectibles & # 8217 Ghid online de identificare a cântăreților. Referindu-vă înapoi la Singer-ul dvs. de epocă, răspundeți la o serie de întrebări da / nu cu privire la caracteristicile mașinii dvs. și # 8217s. Pe baza răspunsurilor dvs., formularul online vă duce la mai multe întrebări de identificare, până când ajungeți în cele din urmă la unul sau mai multe modele posibile. Folosind acest formular de identificare, mi-am redus modelul Singer & # 8217s la 27/28 sau 127/128. Pe baza anumitor factori, cred că este cel mai probabil un model 127/128. Sandman Collectibles oferă, de asemenea, multe manuale de utilizare pentru mașinile Singer de epocă de vânzare.

O altă resursă foarte utilă este bloggerul Nicholas Rain Noe & # 8217s & # 8220 The Vintage Singer Sewing Machine Blog & # 8221. Prin intermediul mai multor postări pe blog, Nicholas oferă îndrumări prin procesul de analiză a caracteristicilor unei mașini și a modelelor # 8217 și de a distinge modele foarte similare unele de altele.

Merită, de asemenea, navigat și site-ul Societății internaționale de colectare a mașinilor de cusut & # 8217. Societatea arhivează manuale, reclame și alte informații despre mașina de cusut și oferă multe materiale descărcabile pe site-ul său web. De asemenea, publică rezultatele cercetărilor, rezultatele licitațiilor și informații despre restaurarea mașinilor de epocă pentru un membru internațional al colecționarilor de mașini de cusut.

Accesoriile misterioase de la mașinile antice pot fi puțin mai greu de identificat, dar puteți utiliza multe dintre aceleași resurse disponibile pentru identificarea mașinilor. De asemenea, există mulți furnizori specializați în piese originale sau de reproducere pentru mașini de epocă și de epocă, iar simpla comparație a mașinii dvs. și a pieselor misterioase # 8217s, precum un picioruș presor, cu cele disponibile pentru vânzare vă poate ajuta să vă dați seama de scopul acesteia. Sunt destul de sigur că cele două picioare de presare identice din fotografie sunt atașamente pentru volane (știu că al treilea picior este un atașament cu tiv).

Dețineți o mașină de cusut de epocă sau de epocă? Antichitatea dvs. este o moștenire de familie sau o vânzare de curte? Ați identificat modelul și anul de fabricație al acestuia? Aveți resurse preferate pentru identificarea mașinilor antice și înlocuirea pieselor?

Mașina mea de cusut Singer din 1907, acționată cu bandă.

Pe baza seriei de întrebări puse de ghidul online de identificare a cântăreților Sandman Collectibles și pe baza detaliilor suplimentare, cred că este un model 127/128.

Atașamentele misterioase ale piciorușului presor la stânga sunt, cel mai probabil, volane, iar cel din dreapta este destul de evident un picior cu role.

Înscrieți-vă la eletterul Threads

Obțineți cele mai recente informații, inclusiv sfaturi, tehnici și oferte speciale direct în căsuța de e-mail.

Obțineți cele mai recente informații, inclusiv sfaturi, tehnici și oferte speciale direct în căsuța de e-mail.


Priveste filmarea: Montaj video dulap dormitor Kent 225 (Ianuarie 2022).